#VisitadeEstudio: HÉCTOR FALCÓN.

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Basta una búsqueda en Google con el nombre de Héctor Falcón para darnos cuenta que se trata de uno de los artistas mexicanos más mediáticos y reconocidos dentro y fuera del país. Los resultados no dejan lugar a dudas: Falcón se conoce principalmente por el trabajo realizado con su propio cuerpo. Aparecen fotos de la vez que eliminó quirúrgicamente el ombligo de su cuerpo, o de la vez que se tatuó los brazos. Encontramos notas sobre los tratamientos con esteroides a los que se sometió o sobre la escultura realizada con la grasa que se le extrajo luego de una liposucción. Sin embargo su trabajo no se reduce a eso: Héctor tiene trabajo en la pintura, escultura, el performance y la instalación desde los inicios de su carrera. Luego de la apertura de SISMO, galería de la cuál es dueño junto con Alejandro Cabrera y Omar Torres, decidimos visitar su estudio y platicar con él sobre dicho proyecto y sobre lo más reciente de su producción artística. Conversar con Héctor Falcón fue una transición total. Utilizar historias como sinopsis de su trabajo transformó su última pieza de un artefacto visualmente atractivo a una ideología.

Comenzamos así una serie de visitas a los estudios de los artistas mexicanos más relevantes del panorama actual.

Ernesto Alquicira (EA): ¿Cuáles son los factores que siempre encuentras en tu trabajo? Más allá del cuerpo como medio.

Héctor Falcón(HF): Efectivamente, la corporeidad es mi constante, siempre esta ahí, y aunque para mi es mucho más que un medio, la idea del tiempo, cuerpo y muerte en mi trabajo es latente. Yo vivo en mi cuerpo durante un tiempo que sea finito. A través del lenguaje descubro que es él quien dicta las reglas de como saber y sentir, siendo el principal factor en la enseñanza de la percepción. Es decir, el cuerpo define la relación que tienes con el mundo.

EA: ¿Cuál es el contexto de Purple Absortion?

HF: En la estética japonesa hay un término llamado iki, que ha intentado ser traducido totalmente, nunca con efectividad. Un libro de los 30 (aunque Héctor no recordó el título en el momento, estoy seguro se refiere a ‘The Structure of Iki’ de Kuki Shūzō, escrito en 1930) trata de definirlo, ya que no hay una traducción como tal. Iki es como chic; coqueto, pero jamas logra cruzar el borde de la vulgaridad en ningún punto. Logra coquetear, pero a su vez se retiene del exceso. Esto en sí es un clásico visual japonés, un jardín zen: líneas, grises con otros grises, piedras; en fin, contraste. Las grandes piedras generan cierto coqueteo, pero no rebasan ni cruzan el borde de la atención. No presumen.

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EA: ¿Buscas enfatizar la presencia de las piedras en un espacio?

HF: Más allá de eso. Mi estancia en Japón está muy presente en mi de un tiempo hacia hoy, principalmente los conceptos de iki y wabi-sabi. Wabi-Sabi representa la presencia del tiempo sobre los objetos, la imperfección de las cosas, la pátina del tiempo, falta de orden. Todo su contexto me ayudó mucho a inspirarme en mi trabajo, siendo una cultura que, por ejemplo, utiliza la técnica del kinsuyi, que consta de resanar con oro artefactos rotos. Las piezas se vuelven imperfectas, pero a su vez, su nueva composición les añade el factor de la memoria, agrega una carga de imperfección y tiempo.

EA: Es darle una estética atemporal a una cicatriz…

HF: Las cicatrices pueden ser muy bellas, siempre he pensado que las cicatrices son el mapa de tu vida, parte de lo que escribes en tu cuerpo. Justamente las piedras hablan de ese choque entre iki y wabi-sabi. Todo esto es resultado de vivir un tiempo en Japón y entender un poco lo que significa para ellos la estética; asociarla a comportamiento, cultura y sociedad, el pensamiento como tal.
De pronto caminar y encontrar una piedra a la que le sale una pequeña planta a un lado, y encontrar que alguien le puso una ramita amarrada para permitir que siguiera creciendo es increíble. Hay una planta al borde de algo que casi la extermina, y alguien se encarga de que siga ahí. Wabi-sabi.

EA: Sigo sin decifrar el por qué de Purple Absortion ¿Por qué morado?

HF: Inició como mi necesidad por ya no entrar a un objeto, ahora quería entenderlo. Buscar una interacción, una retroalimentación. Mi primer idea surge de las gotas de tinta entrando al agua, el efecto de disolverse. Cuando imagino eso, recuerdo estar en una galería con piso de cemento y de pronto una copa de vino cayó. El color era rojo-púrpura, palabra que me encanta. Una vez en el suelo, el cemento absorbió por completo el vino y por más que limpiaban, la piedra estaba manchada de púrpura, tenía el vino dentro de por vida.

EA: ¿Esta idea surge de la intervención que aplicaste en tu serie Invasión?

HF: Creo que surgió gracias a comprender mi proceso creativo que consta de una idea inicial la cual termina deformándose por completo. Pensando en una línea del tiempo, pintaba, trabajé con mi cuerpo, deje de pintar y después regreso a pintar porque buscaba hacer un performance. Mi idea era tener grandes cantidades de cabello juntos en el suelo que cayeran de 4 mujeres.
Me fue imposible encontrar esa longitud, así que decidí bocetar la idea. Del boceto noté las líneas que lo componían, así que decidí omitir la idea del performance y convertir ese boceto en una pieza; fue el regreso a pintar. De esas líneas encuentro capas que después recortó, y me doy cuenta que al momento de verlas, parecen una sola imagen. Ya no son pinturas, son objetos. El soporte que las detiene reflexiona entre pintura y objeto.

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EA: Y es así como aplicas el iki y wabi-sabi, creando un balance…

HF: Cuando empecé a trabajar en estas absorciones, no quería hacerlas de tinta. Japón me hizo pensar en wabi-sabi, pero su absorción no debe ser así, debe ser iki. Los platos limpios y perfectos deben representar una perseverancia en el tiempo. Un artista debe ser un turista de tiempo completo, y el representar este balance involucra un nuevo conocimiento para mi.

EA: Con Sismo ¿Cuál es el plan? ¿Sigue representándote Enrique Guerrero?

HF: Sismo surge de una inquietud que tuvimos con un anterior proyecto de mostrar el trabajo de artistas emergentes, que tuvieran oportunidad de desarrollar sus proyectos. También existe la posibilidad de gestionar proyectos a dichos artistas no sólo en la galería sino en espacios públicos y privados que les interesen. Enrique sigue representándome porque creo que es de mal gusto representarte a ti mismo, poco profesional. Purple absortion está dentro de la exposición inaugural de su nuevo espacio.

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Héctor Falcón y José Antonio, su asistente.

*Héctor Falcón inaugura el espacio cultural Heart Ego en Monterrey con una exposición personal el 18 de febrero del 2016 a las 8:30 pm.

 

 

Texto: Ernesto Alquicira Madrazo.

Foto: Sergio Orospe (*utilizando la cámara del Xperia Z5 Premium de SONY)

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